画幅大小会影响景深吗,画幅大小有什么影响

画幅大小会影响景深吗,画幅大小有什么影响

今日导读:首先小编要说,这个标题并不是很严谨。这句话摘录自摄影师TonyNorthrup的讲解视频。他说现在的很多小型卡片机,标榜诸如f/2.8大光圈镜头,实际上却拍不到全画幅相机

  首先小编要说,这个标题并不是很严谨。这句话摘录自摄影师Tony Northrup的讲解视频。他说现在的很多小型卡片机,标榜诸如f/2.8大光圈镜头,实际上却拍不到全画幅相机f/2.8光圈的散景效果,所以应该把“等效焦距”和“等效光圈”加入计算,以得出相应细得多的光圈值,让消费者能更方便地比较。这段影片引起了相当多回响,尤其关于物理概念更是值得再阐述清楚,以确切了解有关解释的不当之处。

  也许你已经听糊涂了,别着急,我们先来解释一些基本的物理成像概念。

  1.什么是焦距?

  相信大家小学时都做过一个实验,只要把放大镜放在纸张上一个合适的距离,无限远的太阳便会聚焦在纸上变成一点,这个烧焦的距离其实就是“焦距”。不同的放大镜,基于它们镜片弧度的分别,各自也会有不同的焦距。

  虽然今天相机镜头的结构都很复杂,是由多块镜片组成,但其实一枚定焦镜就是一枚固定焦距的放大镜。那不同的焦距在拍摄上的意义是什么呢?原来焦距越长,影像便会放得比较大,这也是为什么运动摄影师使用600mm的“大炮”便可以把远处的运动员拍得清清楚楚。上图就比较了50mm镜头和150mm镜头拍摄出来影像大小的分别。

  2.什么是对焦?

  我们了解到为了拍摄一个清晰的影像,拍摄时必须对焦。譬如说我要拍摄一个树林,如果我对焦两米远的树木,两米远的树木便会清晰。如果我对焦四米远的树木,四米远的树木便会清晰。

  3.什么是景深?

  虽说我们对焦时选择一个距离,那个距离的景物便会清晰,但其实实际上在对焦距离近一点和远一点的地方同样都会清晰,这个由近到远的清晰的深度就是“景深”了。举例说,对焦两米,但其实一米到四米的地方都清晰,那一米到四米的距离便是景深范围了。

  4.什么是光圈?

  大家有没有奇怪过为什么光圈的描述总是“f/”一个数值?那是因为一枚镜头的进光量是与镜头的焦距和光圈的直径相关的。“f/”的意思就是焦距除以该光圈的直径。所以同样是一枚f/2.0镜头,50mm f/2.0镜头的光圈直径是25mm,而100mm f/2.0镜头的光圈直径便是50mm。

  不过,光圈值的重点是进光量的量度,大部份情况下,我们通常使用f值作计算就可以了,不比刻意考虑光圈直径。

  5.什么会影响景深?

  重点来了。影响景深的只有“对焦距离”、“光圈”和“镜头焦距”,感光组件的大小并不会影响景深。道理很简单,当相机对好焦、光线穿过了镜头、光圈,其实影像已经形成了,不管你使用什么尺寸的感光组件。以上面的例子,对焦两米是清晰范围便是一米到四米,你是使用全画幅相机还是M43相机结果都是一样,分别的只是影像的大小,不是景深的深浅。

  那为什么所有人都说画幅大的相机拍起来景深会比较浅?!这是因为影像裁切的问题啊。看看上图,举例说一台M4/3跟全画幅的相机比较,因为M4/3的画幅较小,在M4/3上使用使用50mm镜头,在传感器上的成像范围只有全画幅的一半(因为M4/3的 Crop Factor为2X),剩下更多的虚化面积就看不到了,自然觉得景深“不够浅”了。

  如果换个角度解释,我们一般都会引入“等效焦距”的概念,M4/3使用50mm镜头,全画幅使用100mm镜头(因为M4/3的Crop Factor为2X),那当然是全画幅拍起来景深较浅了!(镜头焦距越长,影像景深越浅)

  6.Tony Northrup究竟在说什么?

  他举例说M4/3的12-35mm f/2.8 镜头的等效焦距是24-70mm,但在等效焦距70mm配f/2.8下拍摄出来景深,会不及全画幅在70mm下以f/2.8拍摄浅,所以厂商有误导的成分,应该将镜头改称为f/5.6。

  我们不认同这种说法,因为光圈值的重点是作测光的计算,而非用作景深的比较。而事实上,我们也没必要刻意将所有数据转化为135系统(全画幅)的标准。早在菲林年代以来,已经有多种不同的画幅,好像是110、135、645、67、69、612、617、4×5、5×7、8×10等等,我们都明白不同画幅下会出现不同的景深。

  我们今天之所以参考等效焦距,纯粹是因为有比较多人熟悉135系统,因此比较容易联想到相应的拍摄效果,但是在实际拍摄的计算上是没有什么特别意义的,因为大部份的计算都应该使用真实的光圈和焦距。所以只要大家理解不同的画幅下因镜头选择不同导致景深不一样就已经足够了。

  不过,Tony Northrup的影片中比较可取的地方,是他示范了不同格式底下相应的景深计算方法,譬如说m4/3底下的35mm f/2.8,景深应该跟全画幅下的70mm f/5.6一样(焦距乘2,光圈除2)。如果要坚持Tony Northrup的逻辑,应该说M4/3的12-35mm f/2.8镜头的等效焦距是24-70mm,等效光圈值是f/5.6,这样便会比较合理了。(只是小编觉得有点多余)

  via photoblog

画幅大小会影响景深吗,画幅大小有什么影响

画面视角有哪些,画面的重点

  视点是指观察景物的角度,即从何处去观察景物。对于拍摄来说,视点便是相机的拍摄位置,当你确定了要拍摄的物件之后,首先要从各个角度对它进行仔细的观察和研究,把从不同角度得到的印象进行比较,从中找出一个最佳视点。而这个视点,便是我们要采用的拍摄位置。

  如何选择最佳视点

  最佳视点,应选择有利于主题表达的角度。各种角度都有各自的表现特点,只要有利于主题的表达,那就是合适的角度。拍摄者面对的景物,除了那些平面的绘画、图案、文稿、图表等,绝大多数是立体的。它们呈现出许多面,有正面、​​侧面、背面、顶面和底面,这些面各自展示出自己的特征。那么,从哪一个面去观察景物的形态才最美呢?我们应如何选择最佳视点?这需要从视点的距离、方向和高度三方面来考虑。

  光圈: F4  曝光时间: 1/40s ISO : 800  焦距: 24mm。在实际拍摄中,应尽量尝试从不同角度观察和拍摄,多方位呈现主体物件。

  光圈: F4  曝光时间: 1/60s ISO : 1600  焦距: 24mm。

  视点的距离

  当我们观察一处景物时,远看和近看的效果是不同的。拍摄也是这样,面对一个被摄体,需要从多远的距离去拍,相机的观景窗中应包括多大的景物范围,是拍摄者首先要决定的问题。人眼在观察景物时,能迅速把注意力集中到整个视野范围内最感兴趣的区域上,其余部位则被选择性地忽略,使集中观看的那一部分保持鲜明的印象。然而,拍摄却做不到这一点,相机记录下来的是镜头视野范围内的全部景物,凡是它能拍摄清楚的物体,在照片上几乎同样突出。

  光圈: F5.6  曝光时间: 1/1500s  ISO :200  焦距: 20mm。人眼在观察面前这只狗的时候,后面的景物将被自然虚化与忽视,但在相机拍摄的画面中则前后都非常清晰,远远大于人眼的矫正范围。

  如果你想特别强调画面中的某一点,则须设法让相机把这一部分强调出来。近拍这一局部,使其影像在照片上大而鲜明;或者只把这一局部拍清晰,而使其他景物模糊,将重点烘托出来;或者也可以采用其他手段,如透过对光线和色彩进行处理,使这一局部从整体中分离出来。

  光圈:F4 曝光时间:1/1000s ISO:200 焦距:90mm。尽量靠近被摄物件构图,使其在画面中大而鲜明。

  如果片幅中有多余或碍眼的景物,就必须在取景时把它排除在画面之外,以避免构图零乱。因此,在选择视点时,首先要确定从多远去看,看整体还是看局部,看大的环境还是看具体细节,亦即希望相机观景窗中所包含的景物范围应该多大,拍摄者在选择视点前应有明确的构思。

  光圈: F8  曝光时间: 1/1000s ISO : 200  焦距: 35mm。即使使用同一个镜头拍摄同一个景物,距离不同也会产生完全不同的构图,使用何种构图应对具体物件进行具体分析。

  光圈: F8  曝光时间: 1/800s ISO : 400  焦距: 24mm 。

  光圈:F2.8 曝光时间:1/800s ISO:400 焦距:50mm。使用大光圈可以让被摄主体和背景中的其他物体分离开来。

  光圈:F5.6 曝光时间:1/1000s ISO:200 焦距:50mm。黄色在画面中异常突出,使其在画面中成为绝对的主体和视觉中心。不要忽略身边的每一个细节,哪怕是不起眼的菜市场、街边小店也会有很多动人而富有意味的角落值得留住。

画面视角有哪些,画面的重点

画面效果丰富,视觉效果丰富

  每个人都想要拍出好看的照片,每个摄影师拿起相机都是为了一个共同的目标,创造一个美好的形象。

  但是不同于绘画,拍摄永远不是一张白纸,不能按照自己的想法随心所欲的添加元素,而摄影师只能在现有画面元素中去调整他们排列的方式来改善画面的视觉效果。

  决定如何将取景器内看到的景象重新调整秩序是每位摄影师最重要的工作之一,拍摄绝对不是简单的按下快门,你也不能凭空去想象一个有影响力的形象。这就意味着你必须要对现有画面元素重新评估,并且利用设计中所要使用的要素来构建你的作品。

  元素充斥着我们的周围,只要我们用心去观察,就能发现一些线索,摄影师的眼睛应该可以分解这些元素然后将它们加以利用。

  而元素又不外乎点线面,以点成线,以线构面,最基本的元素组成了我们这个丰富多彩的世界。

  线条是组成世界的最基本元素之一,他们围绕着图像,引导着我们的视觉,并向观看者提供了一条欣赏作品的路径。了解不同线条在平面设计中的力量,以及不同线条对于观众体验的影像,会有助于你的图像被更有效的理解观看。

  几乎每个场景都会存在水平线,它们往往会带来平静,给人们带来一种平和宁静的感觉。

  而垂直线则往往与强度与力量有关,像是摩天大楼的轮廓,森林里的参天大树,又或者是飞流直下的瀑布,都是力量和壮丽的象征。

  对角线会向图像赋予能量并且增加图像的运动感。

  曲线的创建可能对于初学拍摄者会有些难度,但是好的曲线构图可以更加轻易的引导观看者的视觉,更容易让你的照片说故事。

  不管如何,线条的存在在构图中的主要意义就是引导,将观众的眼睛引向你想要表达的主题。

  其次是分割,分割画面其实也是引导的一种,用分割来说故事。

  除了线条这样的基本元素以外,色彩在画面中也起到至关重要的作用,颜色决定了观众对图像的情绪反应,他们设置好了一种观看的心情,并且决定图像的哪些部分应该要得到更多的关注。

  互补色在色彩搭配上的运用

  在色彩的搭配上最有效的方式是选择互补色,互补色是指某两种特定的颜色,在绘画美术、色彩或是光学系统中,该颜色与其“互补色”混合后将呈现特定效果。像是黑色与白色、红色与绿色、蓝色与黄色等等。

  尽管我们都耳熟能详信手拈来的三分法则已经左右了我们拍摄时的大部分的主观,三分法则要求我们使画面摆脱平衡,脱离中心对称。

  但是要知道,对称一只都是美的代名,美的事物一定是对称的。在对称构图中,你拍摄的主体被你放置在舞台的中央,并且鼓励观看者的眼神随着框架的四周朝向中心观看,这将是画面感觉平静而和谐,虽然这可能并没有这么简单。

  唯一的区别就在于细节,完美对称的图案会很美好,当然这里所谓的完美对称并不是要左右镜像对称,是要做到左右元素的互补对称。如果只有主体在中央,四周的元素是杂乱的,这样的图案也会显得很糟糕。

  如果想要快速的在你的图像内容内添加一个新的维度来打破原有的平衡,最好的方法就是在图像内寻找一个框架,在你图像的基础框架中的框架会让图像更有看点。

  简单的方法是通过门或窗来添加新的框架,门窗也是我们平时能够接触到的最基础最简单的框架之一,你可以在任何地方发现它们。如果你想拍摄窗外的美景,不如后退两步,将窗户也拍摄进去。

  你会看到一个更精彩的画面。

画面效果丰富,视觉效果丰富

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